Diversideas

Se viene el Inspiration Fest 2010

2010-11-26T12:31:00.000-08:00

El 26 y 27 de Noviembre próximos se realizará en la Ciudad Cultural Konex (Sarmiento 3131, Ciudad Autónoma de Buenos Aires) la segunda edición del Inspiration Fest Buenos Aires, versión 2010 del encuentro que promueve las industrias creativas en todas sus expresiones, con un programa multidisciplinario de actividades brindadas por personalidades nacionales e internacionales, incluyendo conferencias, workshops, instalaciones, muestras, proyecciones y espacios de creatividad colectiva.

Con la franca intención de continuar inspirando la creatividad del público, este año Inspiration Fest trae como invitados, entre otros, a Ronnie del Carmen (EE.UU.) -director, realizador de storyboards de animación, artista y diseñador con amplio reconocimiento, quien tras su paso por Dreamworks y Warner Bros., trabaja actualmente para Pixar-; Jeremyville (Australia) -ilustrador y diseñador que crea ilustraciones para remeras, zapatillas, juguetes, skates y cómics, y fue el primero en publicar un libro sobre vinyl toys-; Marcos Kulenkampff (Brasil) -ingeniero experto en planificación y logística, actualmente a cargo de las producciones fotográficas creativas de Getty Images Latam- y muchos otros invitados del exterior y Argentina que vienen a compartir sus experiencias inspiradoras.

Además en las Sharing Conferences destacados diseñadores presentarán lo mejor de su trabajo creativo y realizarán un “open work” en vivo: Hernán Berdichevsky (diseño gráfico), director de Nobrand; Eduardo Blacher (música), director de La Pirada; Federico Churba (diseño industrial); y la editorial Moebius, Moosgo Digital Publishing y Opción Libros (área de la Dirección de Industrias Creativas y Comercio Exterior del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires) brindarán una conferencia sobre edición de libros electrónicos (ebooks).

En cuanto a los workshops, la oferta incluye entre otros a “Personajes por Rasti”, de la mano de DGPH + Rasti y “Anarconomía”, una charla sobre futurismo a cargo de Future Lounge.

Además, Adidas Originals invita a los asistentes a celebrar su originalidad participando de diferentes actividades de interacción colectiva junto a la exhibición de las obras de: Lucas Nine, Grupo RDYA, Marcelo Albinati y Lucas Varela, quienes también contarán todo sobre sus trabajos e inspiraciones en las Adidas Originals Conferences y estará montado el "Espacio Rasti", con miles de ladrillos para que los asistentes expresen su imaginación libremente.

Completan la lista de actividades instalaciones provenientes de diferentes países, muestras de arte electrónico, "lasertoys", performances, danza urbana, graffiti con objetos lumínicos, la proyección de los ganadores en los festivales Vimeo Festival y Animarte, documentales sobre arte, street art, animación y shows musicales en vivo con la presentación de Le Microkosmos, Les Mentettes y Cisco. Además, Army of Dub, Selector Lucho, Chancha Vía Circuito, DJ Campeón, Selecter Vintage, Radio Royale, Cabeza Showcase, DJ Gone, Beatdekid, VJ Mano y VJ Naif.

Para tener más información y obtener la agenda completa se puede visitar:

www.inspirationfest.com

Comienza la nueva edición de Expotoons

2010-11-24T13:08:00.000-08:00

Entre el 30 de Noviembre y el 2 de Diciembre próximos tendrá lugar la nueva edición de Expotoons, uno de los principales eventos nacionales dedicado a la industria de la animación, a realizarse en el Hotel Madero - Rosario Vera Peñaloza 360- y en las pantallas de Cinemark Puerto Madero –Alicia M. de Justo 1960.

Expotoons es un festival que nació con el objetivo de difundir la animación dentro de la industria audiovisual y cultural y servir de nexo entre productores, creadores y el público, reuniendo en un único lugar lo más destacado en Digital Media, Cine y TV de animación de Argentina y el mundo.

Las actividades organizadas para este año han sido pensadas para atraer el interés tanto de broadcasters, distribuidoras, estudios y productoras de animación, como de empresas de tecnología, software, equipamiento y profesionales independientes, así como de estudiantes, aficionados y el público en general interesado en el fascinante mundo de la animación.

La programación incluye un ciclo de conferencias, entre las que destaca "Cómo crear y entrenar a tu dragón", a cargo de Simon Otto, Jefe de Animación de Personajes para la reciente producción de DreamWorks Animation How To Train Your Dragon.

Además, existe una nutrida agenda de proyecciones, entre las cuales se encuentra la sección Shortlist 2010: competencia oficial, con producciones provenientes de más de 40 países; la sección Festival de Festivales, donde se exhibirán filmes ganadores en los principales festivales de animación del mundo; la sección Estrenos en Latinoamérica, donde destacamos la película "La isla del olvido: Haruka y el espejo mágico" de Shinsuke Sato (Japón, 2009), primer largometraje realizado íntegramente en 3D “tradicional”; y la sección Estrenos en Argentina, que contará entre otras con la proyección de "El cumpleaños de Alicia" de Sergei Seryogin (Rusia, 2009), una fábula de ciencia ficción y ecologismo que combina el universo visual de los clásicos de la animación rusa con un lirismo que remite directamente al maestro Andrej Tarkovski.

Además, se verá la muestra Los orígenes de la animación, a cargo del maestro Walter Ruttmann, que será acompañado de la proyección de "El príncipe Ahmed" (Alemania, 1926), de Lotte Reiniger, uno de los primeros largos de animación de la historia; y un programa especial con las producciones de los recientes graduados del Royal College of Arts, la prestigiosa escuela británica semillero de los artistas más premiados en el mundo.

Paralelamente, Expotoons presenta también las rondas Mercados de animación 2010, este año centradas en tres ejes: el novedoso WiPP - Work In Progress Pitching, donde los creadores de proyectos en etapas avanzadas de producción podrán contactar productores, broadcasters y abrirse a nuevos mercados; el ciclo de Workshops “30 minutos con...”, talleres sobre temas claves a cargo de profesionales de renombre internacional, y la Ronda de Negocios Internacional de Animación, Reuniones “one-to-one”: agenda abierta de reuniones entre los players de la industria, co-organizada con la Fundación Exportar.

Para ver la progamación completa y obtener las acreditaciones, se puede consultar a la página oficial del evento: www.expotoons.com

POR UN CINE DE ANIMACION NUESTRO

2010-11-15T13:31:00.000-08:00

Acá les dejo el texto que escribió el animador y maestro de animadores (además de amigo) Rodolfo Pastor:

Capelito, Nico y Tina -mis personajes-, estuvieron acompañándome en el
Primer Congreso Nacional de Comunicaciones Integradas, organizado por la Facultad de
Ciencias de la Comunicación de la UAI, que tuvo lugar ayer, en el anexo
de la Honorable Cámara de Diputados.

Honorable -si, queridos amigos de España, no es broma- porque ahora en el
Sur tenemos un proyecto de país y Patria Grande que entusiasma a más y más
personas. Sin embargo Nico no parecía darse cuenta donde estaba pues
seguía bañándose en el fuentón y cepillándose con la misma herramienta,
ora los dientes, ora el culo, como si estuviera en su bulincito.

-Es que el Congreso en la casa de todos-, me apunta Tina, muy peronista
ultimamente, mientras busca y busca su encendedor.

¿Y quién me iba a decir a mi que -¡Turuli, turuli!-, Capelito mamá
enseñaría a estudiantes y políticos a tejer un gorrito de lana para un
bebé con bigotes. Vivir para ver... y ver para vivir.

Expuse en el hall de entrada el decorado donde se ve a Capelito haciendo
compras en la tienda de pesca "Amor", del carrer Tallers 65, en
Barcelona(me gustaría que Esteban lo sepa) y al honguito volando en un
avión antiguo. Los adultos contemplanban estas cosas y por un instante se
volvían niños.

Hablé del exilio del exilio. No sabía yo entonces, que fuera tan, pero tan
duro. Y de la dolorosa alegría de volver. De esta etapa de mi vida en la
que afronté tanto viento en contra y en que apenas pude filmar comerciales,
un documental y poco más. Pero pude terminar Nico & Tina, y
madurar proyectos, y trasmitir algo de mi pasión y conocimientos a muchos,
pero muchos alumnos.

Expliqué que necesito ayuda, que arranco otra vez de cero...
¡Pero qué cero! Tiene mas jugo que una sandía.

Hablé un poco de como Capelito se está y estará pasando durante tres años
-junto con una exposición de decorados y personajes, un documental
didáctico y 2800 kilos de plastilina JOVI- por los pueblos de Francia,
pueblo por pueblo. Expliqué que así quiero mostrar Capelito en Argentina,
provincia por provincia, pueblo por pueblo, tal como
hacíamos en el Grupo CINE, el fundara y dirigiera allá por 1972.
Les conté que quiero coproducir con España, con el estupendo grupo de
profesionales que se me quedó allá, grupo que formé y me formó, y con los
talentos que aquí voy conociendo. Y seguramente lo logre.

Y como nadie me sacaba el micrófono, dije que el cine de animación tenía
que ser valiente, proponerse y alcanzar la calidad de nuestro cine
de ficción, capaz de tratar temas íntimos o temas sociales (que es la
misma milonga, pero vista desde la terraza).

No me acuerdo bien como lo dije, solo recuerdo el contenido de mis
palabras. Dije que había que dejar de imitar las animaciones de los
gringos, en un patético quiero y no puedo. Que necesitamos un cine de
animación nuestro, hecho a nuestra medida y con la dignidad de nuestras
posibilidades. Y que no sea solo infantil, también para adultos, que así
lo fue el primer largometraje en dibujos animados que se hizo en el mundo.
Sí, por el argentino Quirino Cristiani.
Que necesitamos una animación que recorra la comedia y la tragedia con
problemáticas nuestras y con guiones muy
trabajados. Basta de animaciones dirigidas por productores, que la
animación no es solo un negocete de quienes, formados en las empresas de
publicidad, abordan el cine. La animación deben hacerla productores de
cine, que saben de la importancia de la figura del director, que las
buenas películas se hacen con un ojo en el negocio y el otro en la calidad
con que se narra una historia, ¡coño!

Dije que la animación también podía ser un modo de expresión y aprendizaje
individual. Que debemos dejar de lado el naturalismo en el movimiento
físico (que ya está bien con Bambi), que si lo hacemos así se nos abre un
campo mucho más interesante; el de la actuación, el del movimiento psicológico, y el del
movimiento físico propio, específico al diseño de nuestro personaje.

¿Es que solo se pueden animar mostruos con pocas neuronas pero con
millones de pelos, solo para aprovechar que ahora es posible mover bien
esa pelambre apretando un botoncito.

Me aburre la estética del plástico. Me aburren los personajes de plástico,
la gente de plástico.. ¡Incluso me aburre el plástico! Y con lo útil que
es, ¿verdad?
Pero la plástica es fascinante. Incorporemos a la animación el arte de
los ilustradores, que cada uno de ellos es un mundo único de riquezas
visuales, que ellos se parecen a la gente de teatro, gente a las que les
gusta Serrat... y además los ilustradores están acostumbrados a trabajar
para una historia.

Noté que algunos en la sala me entendían, así que cogí coraje (que es lo
único que tengo) y seguí con eso de que tenemos que crear estudios de
animación con el alma caliente, con gente solidaria, que comparta valores
pero tenga talentos diversos.
¡Como si fuera tan fácil crear un taller así!
Este que estoy cocinando se llamará, seguramente:

LA VIZCACHERA - Cine de Animación
Aguantadero cultural con fines de locro

Dije que la buena animación no puede nacer en el tedio de empresas
desangeladas, verticalizadas, que la mejor animación, si nace, lo hará de
un estudio que se parezca a un grupo de teatro.

¿Y por qué...? -me preguntó Gaturro, sentado en primera fila.

Porque el animador equivale al actor en el cine de ficción.

Rodolfo Pastor
Olivos, 6 Nov. 2010

El caso del conejo y la oveja

2010-11-13T13:37:00.000-08:00

Desde el viernes 5 de noviembre se exhibe la muestra de fotografía contemporánea El caso del conejo y la oveja, en Espacio Soporte -Billinghurst 1866 1er. Piso, Palermo, Ciudad de Buenos Aires- fruto del trabajo del novel fotógrafo Juan Francisco Sánchez.

Sánchez -hoy con 27 años- llegó a Buenos Aires hace 5 años desde Comodoro Rivadavia para estudiar fotografía y música y actualmente trabaja como asistente de fotógrafos de renombre, como Alessandra Sanguinetti, Marcos Lopez y Juan Travnik, fue seleccionado en el 2009 para el 98˚ Salón Nacional de Artes Visuales y este año 2010 para el Premio Estímulo a la Fotografía Francisco Ayerza de la Academia Nacional de Bellas Artes.

Conversamos con el artista a respecto de la muestra y él nos respondió:

¿Cómo surge la idea de las fotografias que estás exponiendo?

Juan Francisco Sánchez: Las fotos son de una secuencia de retratos que comencé junto a quien fue mi novia, los dos enmascarados. Las tomas van mostrando diferentes escenas del mundo cotidiano de esta pareja, hasta que después nos separamos y la historia continua con fotos solamente mías, siempre con la máscara. Creo que la serie cuenta una historia de amor tratada con cierta ironía, como queda ejemplificada en la foto de la pareja en la cama con las caretas puestas.

¿En qué período hiciste estas fotos?

JFS: La serie abarca 40 fotos, pero en esta muestra se expone una selección de las mejores. Las saqué entre marzo del 2009 y mediados del 2010.

¿Qué te motivó a usar las máscaras?

JFS: La primera foto surgió como un juego, ella con máscara de oveja y yo de conejo, y después fui explorando posibilidades expresivas usando estos dos personajes. Me interesó que se trata de dos animales hervíboros y ligados a la idea de la procreación y la fertilidad; además, me pareció muy divertido ver como quedaban las fotos.

El caso del conejo y la oveja parece mostrar que incluso en la intimidad siempre estamos usando máscaras, ocultándonos detrás de nuestro ser social. Las fotos señalan que, detrás de las facciones visibles, se encuentra nuestra verdadera personalidad, oculta y protegida por las capas de gestos y muecas aprendidas para lograr la aceptación de los demás.

Evento: Muestra fotográfica El caso del conejo y la oveja, de Juan Francisco Sánchez.

Lugar: Espacio Soporte - Billinghurst 1866 1er. Piso, Palermo, Ciudad de Buenos Aires

Horario: Lunes, Miércoles y Viernes de 15 a 18 hs, hasta el 3 de Diciembre

Para información: info@soportecultura.com.ar

TE: 4827-4824

Texto: Sergio Victorino

Producción: Sandra Furelos

"Extinciones" en el CC Recoleta

2010-10-12T12:24:00.000-07:00

Inaugura el 14 de Octubre de 2010 a las 19hs la muestra de Bioarte e Instalaciones multimediales "Extinciones", organizada por la Universidad Maimónides con curaduría de Graciela Taquini.
Las obras que serán presentadas son:
SISTEMÁTICA, por Mariela Yeregui, Lucia Kuschnir y alumnos
INMORTALIDAD, por el Laboratorio Argentino de Bioarte y Joaquin Fargas
AGUA, por Augusto Zanela, Ricardo Wauters, Gonzalo Cortés y alumnos
PX, por Mariano Makedonsky, Fernando Vener y María Fernanda Rodríguez Arias
LATE, por el colectivo artístico Proyecto Untitled

EXTINCIONES

Las extinciones son una de las facetas de la evolución. A pesar de su connotación negativa, el vacio dejado por aquello que se ha extinto es lo que posibilita el arribo de nuevas existencias, de nuevas formas de vida. ¿Alguien imagina el mundo si todo lo que alguna vez existió todavía permaneciese? En esta situación imposible, cientos de millones de dinosaurios convivirían con miles de millones de humanos, con billones de trilobites, con incalculables helechos arboriformes, en un amontonamiento caótico y salvaje que no dejaría espacio vital para que ninguno pudiera progresar.

A lo largo de su historia, el planeta Tierra ha atravesado diferentes procesos llamados "Extinciones masivas", en los cuales enormes cantidades de formas de vida fueron desapareciendo. Impacto de meteoros, crisis ecológicas, actividad vulcánica superlativa, estas fueron algunas de las causas que los científicos presumen para explicar estos cíclicos y multitudinarios ceses de la vida.

La novedad de nuestro tiempo es que estamos frente a la primera vez en que una extinción masiva podría ser generada por la actividad de una única especie. Las anteriores extinciones fueron, por decirlo de alguna manera, consecuencias de la fatalidad; pero la que se ha dado en llamar "Extinción masiva del Holoceno" (la hipotética próxima estación de esta cadena de destrucciones planetarias) sería exclusiva responsabilidad de la depredación humana. No ya fruto del azar cósmico lanzando una esfera de piedra rumbo a nuestra órbita, ni la fuerza irrefrenable del interior del planeta expresada en erupciones volcánicas, sino consecuencia de la actividad voluntaria y -en apariencia- inteligente de la especie que consiguió dominar los recursos de la tierra, del aire y de las aguas, pero que no consiguió dominarse a sí misma en su exceso de ambición.

Hay muchos ejemplos en la historia humana que demuestran que muchos creyeron que extinguir "al otro" -sea éste el distinto, el extraño o el enemigo-, traería como consecuencia la posibilidad de un mundo mejor. Sobradas pruebas demuestran que esto ha sido una falacia. Sufrimiento, destrucción, la desaparición completa de mundos culturales ricos en contenidos y experiencia, ha sido la consecuencia nefasta de estas prácticas. Integrar las diferencias, y desde allí trascenderlas, es la mejor manera de dejar de lado todo aquello que por antiguo y caduco ya no funciona más, para ir dejando paso a las nuevas formas que llegan para cumplir con su rol en el devenir.

Sergio Victorino

Arte Digital, el gran ausente

2009-05-27T20:52:00.001-07:00

ArteBA 09 - 18 Feria de Arte Contemporáneo
22 al 26 de mayo de 2009 en La Rural – Buenos Aires

Copyright fotos del Autor
Foto 1 (arriba)Intervención digital de Nina Molina
Foto 2 (abajo) Obra de Tatiana Parcero

Con gran afluencia de público disfrutando de los más de 800 expositores de arte contemporáneo argentino y latinoamericano, ArteBA 09 se confirmó una vez más como el eje donde constelan galerías, artistas y medios especializados. Con dedicatoria especial este año para Rómulo Macció, León Ferrari y Santiago Puente, la Feria volvió a reunir a los nombres consagrados, los valores emergentes y los representantes de las nuevas tendencias, todos de cara a un público ávido que observaba con atención y celebraba a los más osados y creativos.
Sin embargo, a pesar de la abundancia de obras y de la probada capacidad que tiene la Feria de atraer al público en general –aquellos que no suelen frecuentar el circuito artístico- fue notable la baja participación este año de artistas digitales.
Apenas poco más de una docena de fotógrafos digitales, unas cuantas reproducciones serigráficas y algunas video-instalaciones resultaron ser una muestra escasa, inmersa en el océano de pinturas, esculturas e instalaciones de variada factura que colmaron la Rural. Las técnicas más tradicionales de arte –pintura, escultura e incluso fotografía analógica- prácticamente monopolizaron un espacio que por definición suele ser ecléctico y abierto a nuevas experiencias.
Es difícil aventurar una explicación de por qué el arte digital se constituyó en el gran ausente de esta edición de ArteBA. Tal vez la falta de interés de los artistas del rubro cibernético de exponer en la Feria se deba a que si bien ésta se constituye en una excelente vidriera para mostrarse tanto al público raso que sólo viene a husmear y curiosear como para los potenciales compradores de paladar negro, ArteBA no resulte tan eficaz a la hora de atraer al público del digital art. Otra posibilidad –que tal vez sea complementaria de la primera- es que la tribu de los digitales prefiera otras formas de acercarse al circuito de exposición, otras alternativas para darse a conocer a la gente, y ArteBA resulte ser un marco excesivo y con poca afinidad, falto del feeling adecuado.
Cualquiera que sean los verdaderos motivos –incluso dejando la puerta abierta a que todo sea apenas casualidad-, la ausencia masiva de arte digital no empañó la calidad de la Feria, que se caracterizó por el gran nivel de lo expuesto y por la alta aceptación del público. Pero, igualmente, se sintió la falta de un segmento tan rico e importante en el quehacer de las artes plásticas actuales. Una mayor participación del digital art le hubiera brindado a esta versión de ArteBA, sin dudas, todo el brillo que el nuevo arte del siglo XXI puede aportar.

Publicado originalmente en http://multimedia.maimonides.edu

Cuentos de Gallego

2009-05-27T20:38:00.000-07:00

Como él mismo se ocupa de divulgar, José Luis Gallego llegó al mundo cayendo en las manos de una partera japonesa, circunstancia a la que puede atribuirse que tenga los ojos achinados, a pesar de ser cien por ciento producto de la inmigración gallega en Buenos Aires. Si bien el relato de su nacimiento puede resultar fantástico y exagerado, condice perfectamente con su labor de “cuentero”, como le gusta definirse. Cuentos infantiles y clásicos, leyendas y cosmogonías, todo tipo de historia es susceptible de ser contada –y transformada- en sus espectáculos de narración oral.

Es miembro fundador de la compañía de cuenteros “El viajecito de Felipe” (www.elviajecito.com.ar) junto a Juan Tapia, Manuel de la Serna y Francisco Benvenutto, todos discípulos del gran narrador oral y maestro Juan Moreno. En sus espectáculos de narración oral, alejados formalmente de la tradición de payadores y contadores de chistes, “El viajecito…” despliega un repertorio amplio que puede abarcar tanto historias folklóricas y mitos de África y Oriente como la desopilante galería de monstruos del conurbano creada por Gallego. José Luis no se dedica apenas a contar todo tipo de historias ante el público, sino que además las escribe y edita en el formato de libro-objeto, en sociedad con su compañera en el trabajo y la vida, la diseñadora Helga Wolfert.

Las historias de tus libros están repletas de situaciones altamente improbables y de sucesos o personajes mágicos, ¿Dónde surge todo este mundo fantástico?

José Luis Gallego: Las historias surgen de la necesidad de expresar imágenes, ideas, pequeños mundos y personalidades que, de no ser escritas o dichas, mueren en la vorágine de mi pensamiento. Los cuentos que escribo vienen de algún lugar al cual se accede luego de un viaje al otro lado del mundo de la razón. Este viaje implica empaparse de recuerdos que uno trae al mundo de la “realidad”. Después les pongo comas, párrafos, trato de que se entiendan y, si me gustan, los publico. Una vez que son publicadas, estas historias dejan de apremiarme. Entonces me siento en general cómodo; de esa comodidad escapo viajando y, de esos viajes, surgen nuevos relatos.

Yo escribo por una necesidad ulterior que profana inclusive mis comodidades. Me gusta más que el dinero. Escribo por necesidad. Después la historia sola te dice lo que quiere: si quiere ser leída, contada, dibujada; es la historia, la pieza artística la que habla por si misma, pero para eso debe ser concebida. Y no se me ocurre otra forma de concebir, parir, engendrar una historia, que a través de la más profunda libertad. Ausencia de condicionamientos y barreras. La imaginación, la creatividad, es un espíritu inquieto y frágil. No soporta que le digan qué hacer o cómo, sólo sabe batir las alas y viajar. Se puede domesticar, pero muy domesticado ya pierde lo salvaje y se vuelve predecible. Es un concepto que, en mi caso, es aplicable al arte en general, o es libre, o no es arte en lo más mínimo.

Después de percibir como se transforman las historias a la hora de ser narradas. ¿Cuál es la génesis que vos les das? ¿Son cuentos para ser leídos o historias para ser contadas?
JLG: Los cuentos o historias son apenas eso, cuentos e historias, no tienen ningún objetivo determinado. No son ni para ser leídos ni para ser contados, ni dibujados ni explicados. Son procesos independientes. Crear los cuentos por un lado; transmitirlos por el otro. Si los cuentos son leídos o contados es un asunto posterior. Es como el caso de las adaptaciones cinematográficas de obras literarias: aunque el libro ya esté escrito, para hacer la película habrá que estudiar cómo contar la historia de nuevo, porque cada medio requiere su lenguaje. Con la narración oral sucede lo mismo, la literatura y la oralidad son dos cosas tan distintas que hasta compiten entre sí. Incluso es distinto leer una historia en voz alta que contarla. La historia al ser contada se transforma en tres dimensiones. Mi maestro Juan Moreno llama a este proceso “leudar la historia”, este concepto se refiere a que a medida que uno las va contando, las historias crecen y se enriquecen tanto en detalles como en emociones, adquiriendo distintos planos por donde el oyente puede viajar.

¿Cómo surge la idea de presentar las historias dentro de un libro-objeto?

JLG: Soy gráfico por naturaleza, siempre me gustó. Disfruto del proceso gráfico, producción, diseño, impresión, encuadernación. Me gusta que la pieza gráfica además de poder ser leída sea un producto artístico en sí mismo, que más allá de lo que allí se diga cada elemento funcione y tenga valor por sí mismo. Es decir, los cuentos, las historias, tienen que producir algo aunque estén impresas en fotocopias o escritas a mano. Las imágenes que ilustran los cuentos deben ser independientes de los cuentos y aunque se relacionen con la historia, tener vida propia. Por ejemplo, pongamos por caso los muñecos que produzco para los espectáculos: la tercera dimensión de su existencia no esta incluida en el papel de los libros. Si te los encontrás por ahí solitos, quizás surge algo más allá del cuento, la posibilidad está abierta. Y con el libro ocurre lo mismo, aunque el interior sea ilegible, para mí un libro debe causar un impacto como objeto, una relación con quien lo tiene en su mano.

¿Cuál es el aporte que el diseño le da a los relatos?
JLG: El diseño es parte del proceso del que venía hablando. Una vez que ya son señores cuentos o señoritas historias, han sido corregidos y merecen ser publicados, quedan en manos del diseñador. El diseño es como la ropa que viste a los cuentos para ser leídos. Podrían ser leídos a letra de médico, pero sería como presentarte a mi prima en harapos, no es lo mismo. En el caso de Helga Wolfert, la diseñadora de mis libros, entiende y conoce perfectamente la personalidad de mis relatos y los empilcha con una ternura certera. Tratándose de un libro-objeto, el diseño también se relaciona con los distintos planos que componen la pieza gráfica que es “el libro”. El diseño juega un papel con los textos, las ilustraciones y el conjunto. En el caso de Helga, además del diseño ella desarrolló el arte del libro, es decir, la presentación de todo lo que se está contando en un solo lenguaje, un denominador común sobre el que se apoyan todas las otras piezas de las que ya te hablé. Si bien la idea de formato, tapas, gramajes y contenido corrió por mi cuenta, Wolfert encontró una forma de interconectar todas esas expresiones para que brillen.

¿Por qué siempre usás diminutivos en los títulos de tus libros?

JLG: El diminutivo es el significante en relación con el todo. Es la personalidad de una miguita de pan sobre una mesa donde ha ocurrido un asesinato. Seguramente un periodista contará los cadáveres, investigará qué comieron en la cena, indagará su pasado, buscará pistas, elucubrará posibles causas, etc. Yo, en cambio, estaré más interesado en el destino de esa miguita.

Publicado originalmente en http://blogs.arsomnibus.com/arteartida/

Entrevista con Helga Wolfert sobre diseño de libros objeto

Para saber más: joseluisgallego@gmail.com

El “Viajecito de Felipe” ya está con espectáculo nuevo:

“Él apareció y dijo que mi abuela era de mentira”
Horarios de funciones y otras infos: www.elviajecito.com.ar

Para vestir monstruos

2009-05-27T20:28:00.001-07:00

Plagados de asesinos brutales hasta la ternura, fantasmas trabando amistad con niños asombrados ante la locura de sus padres y seres marginales sin rumbo, los libros-objeto “La existencia es mullidita” (2004) y “El niño Miguita” (2008) sorprenden tanto por sus historias inconcebibles como por su concepción gráfica: pequeños como para ser portados en una billetera, ilustrados por el propio autor, José Luis Gallego, y bellamente diseñados cuento por cuento por la diseñadora Helga Wolfert, al punto de que es posible saborear el tenor del relato desde el formato de la letra.

En la mayoría de los libros que hemos leído, quietas letras de molde sobre fondo blanco inducen al lector a formar en su mente las imágenes que irán narrando la historia a través de la puesta en juego de su imaginación, y ésta será la única vía por la cual viajarán todas las emociones, ideas y sentimientos que el autor haya querido transmitir. Distinto es el caso de las narraciones en formato de historieta (o en novelas ilustradas), donde el dibujo obvia partes del relato y define de forma incontestable el rostro, el paisaje y hasta la forma de vestirse de los personajes, dejando menos libertad a los lectores para definir los detalles de la historia. Ya en “La existencia es mullidita” nuevos recursos entran en escena dejando su impronta: el papel oscuro y de remembranzas casi groseras nos introduce en el mundo opresivo y lleno de humoradas bizarras de sus personajes, donde formatos de letra que cambian a medida que avanzamos en los relatos van dejando en claro que aquí nada puede darse por sentado. En “El niño Miguita” la tendencia de acentuar lo impermanente se profundiza: las múltiples tapas del libro son plausibles de ser cambiadas, poniéndole un rostro diferente a la obra cada vez que se la toma en las manos, alterando el orden de los textos e incluso del título del libro.

Los dos libros nos invitan a hacer un uso aguzado de la imaginación, a la vez que con su abanico de estímulos nos inducen al estado de ánimo ideal para acercarnos a estas historias, como una música de fondo en la sala del cine. El dúo Wolfert-Gallego compone un combo creativo que transforma las reglas de acceso al antiguo arte de la lectura, acrecentando la importancia del diseño gráfico como vehículo sensorial para una obra literaria.

Publicado originalmente en http://blogs.arsomnibus.com/arteartida/
Para saber más:

Entrevista con Helga Wolfert

Entrevista con José Luis Gallego

Publicado originalmente en http://blogs.arsomnibus.com/arteartida/

Vistiendo al monstruito

2009-05-27T20:15:00.000-07:00

Si Luis Gallego es la cara creativa de los libros objeto “La existencia es mullidita” y “El niño miguita“, la contracara no es otra que su socia en la vida y en los proyectos: Helga Wolfert. Diseñadora Gráfica recibida en la Universidad de Buenos Aires hace 13 años, comenzó en la profesión trabajando en pre y post impresión en empresas gráficas, ganando ese contacto directo con los productos gráficos que en la Facultad cuesta tener. Por otra parte, y como ella misma objeta, gracias a las presiones propias de la industria, en aquellos años lo importante era producir, más que expresarse.
Sin embargo, con el paso del tiempo logró independizarse, para comenzar a diseñar productos de mayor compromiso creativo: la revista juvenil “EME” –de circulación en el Gran Buenos Aires-, catálogos de ropa, tatuajes y estampas para indumentaria infantil. Además, claro está, los libros objeto “La existencia es mullidita” y “El niño miguita”.

¿Cómo nace la idea de hacer los libros objeto?
Helga Wolfert: El tipo de diseño tiene que ver con el cliente. Luis es un tipo muy creativo, sus cuentos son muy locos, no podíamos hacer un libro de formato estándar. Creo que el diseño no debe competir con el relato, ni con el producto en general. Si hablamos del libro, el diseño acompaña al relato, le da una “vueltita más” a la historia, la cuenta, resumida y a su manera, en imágenes.

¿Por qué “El niño Miguita” tiene tapas múltiples?
HW: En “El niño Miguita” todos los cuentos tienen igual importancia. El escritor les dio un orden desde su criterio, pero cada lector puede tener su propio libro dependiendo de su criterio personal, con su propio comienzo y hasta con otro título, y eso ser cambiado con el correr del tiempo. Por eso cada una de las tapas tiene la misma dedicación, todas pueden estar al frente y ser la cara visible del producto, no apenas una como en la mayoría de los libros.

¿Cuál creés que es el aporte que el diseño le da a estos libros?
HW: El diseño le dio una vestimenta al libro, cierta personalidad expresada a través de la percepción visual, independiente de los textos. El diseño en sí es una forma de arte. Por eso me parece justo que la diseñadora aparezca en los créditos porque es parte importante del producto, y es importante que la gente sepa quien fue, para bien o para mal.

¿Cómo es tu método de trabajo?
HW: Como dije, el tipo de diseño va a depender del cliente o producto al que está dirigido. Creo que siempre que se encara un diseño tiene que haber un trabajo previo de investigación, muchos bocetos, antes de poder sentarme a la compu y concretar. Yo voy por la vida con un cuadernito de hojas lisas y mi lápiz negro, bocetando ideas cada vez que aparecen.

Para saber más: helgawolfert@gmail.com

Entrevista con José Luis Gallego

Nota sobre libros objeto

Publicado originalmente en http://blogs.arsomnibus.com/arteartida/

El futuro llegó hace rato

2009-04-16T18:17:00.000-07:00

El ingeniero y artista Joaquín Fargas está presente simultáneamente en la 5ª Bienal Internacional de Arte Textil que tiene lugar en Buenos Aires, Argentina, del 1 al 25 de Abril en el Palais de Glace – Palacio Nacional de las Artes-, y en la muestra “Imagos”, que se realiza en la galería Objeto-a (http://www.objeto-a.com.ar/), Niceto Vega 5181, Capital Federal, entre el 14 de abril hasta el 2 de mayo del 2009.

El artista/ingeniero Joaquín Fargas es una persona que no suele conformar a sus interlocutores, principalmente cuando a éstos les agrada etiquetar firmemente a cada cosa que se tenga por delante. Resistido con frecuencia por científicos, artistas y diseñadores, Fargas hace oídos sordos y continúa adelante con sus múltiples proyectos: es el director artístico del Laboratorio de Bioarte de la Universidad Maimónides (institución pionera y uno de los pocos centros en el mundo dedicado a la creación bioartística), está preparando la instalación definitiva de su escultura ambiental “Sunflower – centinela del medio ambiente” en la ciudad de Ushuaia, continúa divulgando el proyecto “Biósfera” –pequeños recipientes de vidrio donde se encuentra concentrada una cantidad de agua junto con plantas acuáticas y microorganismos, conviviendo en un ambiente sustentable- y, como si esto fuera poco, también se dedica al arte textil, en sociedad creativa con la diseñadora de indumentaria Gabriela Musutto y la colaboración de Martín Alterisio, Juan Zerbini Berro, Fernanda Amenta y María Eugenia Rodríguez, parte del staff de la productora de la Universidad Maimónides.

Claro que por ser creación suya, no podía tratarse de ropa para usar a la hora de ir al supermercado, sino que los diseños del proyecto “I wear” que se exhiben en ambos eventos traen una innovadora conjunción de materiales no tradicionales, sumado a un look apropiado para la novia de Terminator.

La muestra de Fargas está proyectada como una instalación con una pantalla exhibiendo un video y el desplazamiento entre el público de colaboradores vistiendo la colección de chalecos interactivos “Vestiario” (del inglés: vest = chaleco). Estas personas, los alumnos de la Licenciatura en Tecnología Multimedial Ayelén Santamaría, Mauro Camacho y Juan Diego Camacho, más la participación de María Belén Ramírez Llorent, exhiben los tres modelos de la colección: “Vest Greeting” (chaleco saludo), munido con un sensor que al detectar que alguien se acerca emite un saludo de bienvenida, “Vest Link” (chaleco vínculo), equipado de a pares con sensores que detectan la distancia entre ellos y al alejarse entre sí hacen sonar una alarma, y “Vest Contact” (chaleco contacto), con sensores que detectan el contacto físico del usuario con otra persona y encienden una batería de luces en la espalda a la hora de darse un abrazo.

Si bien esta colección de chalecos puede parecer innovadora, se queda corta frente al vestido de nombre aún misterioso que es la pieza central de la muestra. Ideado con intenciones performáticas, ha tenido desde boceto varias pretendientes a usarlo y a comprarlo, a pesar de –o gracias a- sus muchas y originales peculiaridades. Confeccionado en base de tules, resina poliéster y tela de mosquitero de aluminio, conviven en él la dureza del metal con la vaporosidad propia del tul. Una serie de láseres ubicados en el ruedo exceden con su luz el contorno de la falda, y otra serie de luces localizada en la espalda despliega un juego luminoso que lo asemeja a un pavo real digital. Además, otro dispositivo láser simulando ser un ojo montado sobre una máscara que cubre la mitad del rostro de la performer Malena Colella, titila al emitir un mensaje en código Morse.

Pero la innovación no termina ahí. Toda esta batería lumínica está comandada por un microprocesador montado en el cinturón del vestido al que es posible acceder con diferentes programaciones y modificar la secuencia de luces, incluso a través de controles remotos que pueden ser distribuidos entre el público, y lleva entrecruzado con el tejido una red de fibra óptica que conecta los componentes electrónicos y aumenta el volumen del vestido.

Fargas afirma que además de ser innovador desde el diseño, este vestido abre la puerta a nuevas experimentaciones de índole científica, tanto en el uso como en la obtención de materiales novedosos. De cualquier forma, él sostiene que el hecho creativo es importante en sí mismo, y no es necesario buscarle una utilidad práctica a todo lo que se crea. Entusiasmado por la buena respuesta que viene recibiendo de quien conoce los prototipos del vestido y lejos de estar preocupado por justificarse, junto a su equipo ya está proyectando una colección completa de vestidos interactivos, y espera poder comercializarlos con aportes provenientes de la lejana Singapur.

Ver más fotos en http://picasaweb.google.com/diversideas/ElFuturoLlegoHaceRato#

Zanela nos "apunta"

2009-03-03T18:45:00.000-08:00

Artista, fotógrafo y arquitecto, Zanela aplica a la fotografía, el video y las instalaciones su conocimiento acerca de cómo se registra la imagen sobre la película y cómo ésta es proyectada. En el caso de “Apunte”, la obra fue concebida según el principio de anamorfosis, mediante el cual una imagen proyectada y luego trazada en un espacio, se recompone únicamente desde el mismo punto de vista desde donde se la proyectó.

A partir del rupturismo producido por las vanguardias del siglo XX se difuminaron las fronteras que definen al hecho artístico. Innumerables obras se gestaron buscando la respuesta a qué es arte y qué no lo es; este interrogante, de momento, continúa con respuestas variadas y muchas veces contradictorias. Abrigado por esta polémica, la obra de Zanela invita a cuestionar dónde están los límites del arte en sí.

Este artículo fue publicado originalmente en http://multimedia.maimonides.edu

Duchamp, según pasan los años

2009-03-02T06:13:00.000-08:00

Algunas reflexiones surgidas al presenciar la muestra Marcel Duchamp: Una obra que no es una obra “de arte”, primera exhibición individual del artista en América Latina
Fundación Proa - Pedro de Mendoza 1929 - Ciudad de Buenos Aires - Argentina
22 de noviembre de 2008 // 01 de febrero de 2009 - www.proa.org

El hilo conductor en la obra de un artista multifacético como Marcel Duchamp (MD) ha sido, sin dudas, su vocación innovadora. Pintura, cine, fotografía, música, diseño gráfico, curatoría, fueron algunas de las disciplinas a las que se ha dedicado, siempre dejando su impronta rupturista con el pasado, con el academicismo agónico y asfixiante. Vinculado a lo largo de su vida a las vanguardias dadá, surrealista, cubista y futurista, de influencia crucial en el Pop Art y el postmodernismo, es mirando su obra en perspectiva cuando apreciamos con claridad la dificultad en etiquetarlo y en restringir su obra a algún tipo de código preestablecido, ya sea de estilo o incluso de actividad. Su figura aparece como la de los primeros exploradores del Nuevo Mundo, haciendo posibles nuevas miradas y perspectivas.
Hoy día todavía se polemiza sobre si el taburete de su obra “Rueda de bicicleta” (“Roue de bicyclette”, 1913/1964) cumple la función de la tarima o es parte integrante de la obra; lo cierto es que su creación fue una ruptura con el concepto de estética dominante de la época: un arte sereno, bello y disponible para ser expuesto en museos y academias. El mismo tipo de arte que la rebelión Dadá condenaba por ser la cara visible de una sociedad mortecina cuyas tradiciones, creencias y costumbres fueron capaces de provocar la masacre de la Primera Guerra Mundial, a la que MD cuestiona jugando con la revalorización de los objetos. Mucha tinta ha corrido y mucho se ha hablado intentando teorizar y enmarcar estilísticamente esta obra, pero por lo que sabemos del autor probablemente fue más un fruto del azar que de la aplicación, antes un juego destinado a romper moldes que una “masterpiece”. Justo es recordar que observada por un lego, no deja de ser una rueda clavada en un banquito.
Igual rol les hace ocupar a los célebres “ready-mades”, objetos “ya hechos” comprados en el mercado o la ferretería, ni lindos ni feos desde la perspectiva del artista, a los que MD cobijaba bajo un título que los recontextualizaba como un objeto artístico. Los ready-mades constituyen una reacción contra el arte “retiniano”, como él llamaba despectivamente al arte visual tradicional, por un arte donde prevalece la experiencia mental del observador. Así, una pala de nieve común es titulada “A cuenta de un brazo roto” (“In advance of a broken arm”, 1915), firmada y de esta forma transformada a través del deseo del artista en un (supuesto) objeto de arte. Lo mismo ocurre con el famoso mingitorio presentado en el Salón Internacional de Artistas Independientes de New York (1917), titulado “Fuente” (“Fountain”, 1917/1964), firmado a fin de ser expuesto con el pseudónimo R. Mutt (nombre de un fabricante de sanitarios) y que fuera rechazado por el jurado de selección, a pesar de que la muestra prometía con el lema “Sin jurados ni premios” ser un espacio renovador donde se abrirían las puertas a un nuevo arte libre de prejuicios. Lo cierto es que “Fuente” no obtuvo validación artística desde un salón de exposiciones, sino desde una reproducción fotográfica encomendada por el artista al fotógrafo Alfred Stieglitz, abriendo hasta hoy una inacabada discusión acerca de los límites de lo que podemos llamar arte y sus métodos de validación.
Otra contribución importante de la obra de MD fue la de añadir un concepto a la obra en sí, en un intento de disminuir el factor “retiniano” en favor de una apreciación más intelectual de la obra. Un ejemplo claro de esta búsqueda conceptual es “El Gran Vidrio” (“The Large Glass” también llamada “La Mariée mise â un par ses Célibataires, même”, “La novia puesta al desnudo por sus solteros, incluso”, fechado entre 1915 y 1923, año en que la declara “definitivamente inconclusa”), considerada una de sus obras cumbres, formada por dos paneles de vidrio montados en dos niveles, donde el superior representa el universo de la novia y el inferior el de los solteros. En este caso, la necesidad de un “manual” de apreciación artística adecuado es evidente, ya que sin el –o al menos sin considerar su título-, podríamos vanamente pensar que se trata de una obra abstracta, donde las formas no guardan otro significado que aquel que el espectador le quiera atribuir. Sin embargo, anoticiados de las intenciones expresivas del autor y de los estudios previos necesarios para la concreción de la obra, entendemos que se trata de una clara alusión erótica –aunque no hay nada en las imágenes ni en los colores que nos hagan pensar tal cosa.
Algo similar ocurre con el ready-made donde interviene una de tantas reproducciones de “La Gioconda”, dibujándole al lápiz bigote y perilla y agregándole al pie el nuevo título: “Ella tiene el culo caliente”(“L.H.O.O.Q.”, 1930), resignificando así el más conocido de los retratos de la cultura occidental. Aquí surge nuevamente su espíritu lúdico e irreverente, más parecido a una broma hecha por amigos aficionados al arte entre las copas de un bar, que al producto de un artista de renombre: no sólo “ella” sonríe a causa de sus deseos sexuales, sino que además exhibe inesperados atributos masculinos, como el bigote. Más tarde tomará otra copia de la misma reproducción popular y hará una nueva intervención, cambiando el título “La Gioconda” por “L.H.O.O.Q. afeitada”, otorgándole así una historia “artística” a una reproducción barata, donde ya no es tan simple afirmar el nombre del autor de la obra.
“L.H.O.O.Q.”, al igual que el mingitorio “Fuente”, exploran o incluso atraviesan la frontera de lo que se puede considerar un hecho artístico. Hay quienes afirman que el trabajo de descontextualización-recontextualización realizado por un artista de fuste sumado a la aceptación pública ya es condición suficiente para considerar a las obras “de arte”. Otros, en cambio, sostienen que arte es la aplicación creativa de una técnica que logra la transmisión de una idea trascendente; en este caso, ni la mera aplicación correcta de una técnica ni la aceptación de la masa alcanzan para poder considerar a estas obras como “artísticas”.
Si bien la intención original de MD parece entrar en colisión con la noción de “aura” acuñada por Benjamin (la cual sostiene que un objeto de arte tiene una significación especial en virtud de su autoría de origen, historia como objeto e incluso su trayectoria a través de los diferentes dueños que lo usufructuaron), el caso es que estos simples objetos después de haber sido escogidos y firmados por Duchamp adquirieron un prestigio artístico del que otros objetos de producción en serie carecen. Ninguno de los ready-mades originales existen actualmente, ya que éstos fueron perdidos, desechados o rotos, y los que se exhiben hoy en día en todo el mundo son réplicas realizadas y autorizadas por el propio Duchamp, y aún así mantienen iguales valorización y aprecio del público que los intentos originales, validando de esta forma la teoría de Benjamin.
Esta polémica sobre verdadero/falso u original/copia se renueva con la creación de sus “Boit-en-valise”, “museos portátiles”, reproducciones en miniatura de sus obras de arte presentadas dentro de valijas de viaje, destinadas a amigos o clientes, que resultaron en sí mismas objetos artísticos. Al parecer, la pregunta que MD se hizo en 1913: “¿Puede uno hacer obras que no sean “de arte?” tuvo a lo largo de los años diferentes ensayos de respuesta, todos negativos.
El caso es que a MD poco le gustaban los “ismos”y todo tipo de clasificaciones, al punto de que cada una de sus obras resultó ser distinta a la anterior, sin haberse detenido a estudiar las posibilidades de exploración artística que le traía cada nueva vertiente descubierta. Al ser expulsado de la Sección de Oro del Cubismo por su obra “Desnudo bajando por una escalera” (“Nu descendant un escalier”, 1912) nunca más vuelve a afiliarse a ningún grupo –si bien trabajó más tarde en colaboración con Man Ray, Breton y otros surrealistas.
Es curioso que el motivo de su expulsión de la Sección de Oro no fuera su estilo pictórico ni la temática abordada, sino que en particular “Desnudo..” –probablemente una de sus mejores obras- fue acusado de salirse de la regla del grupo a causa de su título, ya que su
tratamiento del desnudo diseccionando el movimiento del cuerpo a través de imágenes sucesivas superpuestas no condecía con la ridigez formal que Gleizes y Metzinger proclamaban.
Entre 1946 y 1966 MD trabaja en la que se considera una de sus obras mayores: el diorama “Dados: 1- La cascada, 2- El gas del alumbrado público”(“Etant donnés: 1-la chute d’eau, 2- le gaz d’eclariage”), donde con sus acostumbrados juegos de palabras añade desde el título aún más incertidumbre. A través de la mirilla montada sobre un inexpresivo portón de madera, nos encontramos con un agujero en un muro parcialmente derruido –un dispositivo para espiar a un dispositivo para espiar- y allí observamos parte del cuerpo de una mujer desnuda recostada sobre un colchón de ramas secas que inequívocamente exhibe su vagina pero no su rostro, sosteniendo una lámpara de gas en una de sus manos delante de un paisaje colorido de árboles, cielo luminoso y una cascada. Fruto de su madurez artística en la que fue trabajando secretamente hasta su muerte, esta pieza conjuga varios de los elementos que el artista desarrolló a lo largo de su carrera: ready-mades, conceptualización, la asunción del punto de vista del espectador -¿sabrá la mujer que la estamos espiando?-, superposición de técnicas y materiales, erotismo; la suma de su bagaje técnico para alcanzar su cumbre creativa.
Cuando Marcel Duchamp presentó su urinario en 1917 buscando provocar una ruptura con los cánones establecidos, consiguió ampliar el panorama de lo que puede ser considerado válido en la creación artística. En concordancia con los avances tecnológicos de su época, vio nuevas posibilidades expresivas en meras reproducciones y productos en serie, elevados a la condición de “objetos artísticos” en virtud de lo creativo de sus intervenciones. Su legado no fue apenas innovar en técnicas y en medios para producir arte sino, fundamentalmente, en demostrarnos que nunca se acaban las posibilidades de ser creativos.
La procura de la respuesta: “¿Cómo hacer una obra que no fuera una obra de arte?” constituyó la piedra fundamental de su búsqueda artística; responderla, sin embargo, ha ido perdiendo foco a lo largo del tiempo, al punto que hoy se lo considera unos de los “standards” artísticos del siglo XX, estando su obra bien cotizada y a resguardo, embutida dentro de los mismos museos a los que el genio del artista intentó alguna vez destronar.

Este artículo fue publicado originalmente en http://multimedia.maimonides.edu